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Libros de Teatro, Poesía y Relatos
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En la Duna Blanca es un poemario que explora las profundidades del amor, la pérdida y la memoria, fusionando la tradición elegíaca española con una sensibilidad contemporánea y un lenguaje exquisitamente trabajado. Desde playas inciertas y cuerpos entrelazados hasta la fragmentación existencial en poemas con estructuras, que no de contenido, de haikus bilingües, el libro construye un universo donde lo íntimo se vuelve universal y lo efímero se eterniza en la palabra. La obra se sostiene en metáforas de gran fuerza expresiva: la «duna blanca» como paisaje mutable y espacio de memoria, el «naufragio» como símbolo del desamparo amoroso y el «faro en Casablanca» que evoca la luz eterna y el abrazo anhelado. Las imágenes dialogan en un lenguaje sensorial y simbólico que convoca tanto el cuerpo como el alma. Mediante la musicalidad delicada de sus versos, el uso consciente de símbolos naturales (agua, viento, fuego, ceniza) y la integración de formas clásicas y contemporáneas el autor crea una voz poética única, que hace de la búsqueda de la belleza su fin primordial y convierte la lectura en una experiencia profundamente humana y estética.
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Musgo y dientes es un poemario que recorre el duelo desde la figura del pájaro como símbolo del tránsito entre vida y muerte, cuerpo gestante y memoria. Dividido en tres secciones —«El desprendimiento del pájaro», «Una pluma hendida bajo la piel» y «La sombra del vuelo»—, este libro despliega una genealogía íntima, donde la orfandad, la maternidad y el linaje femenino se entrelazan. Como destaca Mónica Picorel en el prólogo: «Serrano canta a la muerte y canta con la muerte. Así dignifica la vida que se pierde ante sus ojos […] hasta convertir en luz lo que está destinado a las sombras». A través de un lenguaje ritual, sensorial y simbólico, Marina Serrano elabora una poética donde el dolor se transforma en raíz y vuelo, en cuerpo que late todavía, en musgo que reverdece entre los dientes.
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Cuarenta girasoles cabizbajos comparten recuerdos de sacrificio a la espera del amanecer, buscan salirse de la horma a través de la introspección lírica con un estilo confesional. Para ello, sus semillas nos invitan a la reflexión y a la prudencia antes de alimentar el ego porque, a pesar de su inocencia, el amasijo de halagos y aprobaciones espontáneas que cotidianamente recibimos de nuestros afectos llega a erosionar la autoestima. Sin que nos percatemos, un cumplido puede premiar el resultado, pero también puede reavivar el escozor del proceso. Por eso cabe preguntarse: ¿Puede el cuerpo ser un lugar inhóspito? ¿Puede un alimento controlar la voluntad de una persona? ¿Cómo es convivir acechados por la extrañeza de la diversidad sexual? ¿Cuál es el precio de la migración voluntaria? ¿Es posible perdonar la crueldad inocente? Estas preguntas germinan durante la toma de conciencia identitaria y sus respuestas se esconden en la lejanía de lo colectivo, en el silencio incómodo frente al espejo.
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El valor de las palabras es incuestionable. Pero, a veces, tienen más valor las palabras no dichas, por las consecuencias derivadas. ¿Cuántas veces dijimos: «Si me lo hubieras dicho antes...»? Los silencios del presente pueden condicionar nuestro futuro.
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Pensamientos expresa con profundidad lírica una amplia gama de emociones y reflexiones. A través de sus versos, se construye un universo íntimo en el que conviven el amor, el deseo, la soledad, la esperanza y la nostalgia. Es un viaje poético por los rincones del alma y del tiempo que captura la belleza de lo simple y lo trascendente.Es una obra marcada por una voz sincera y sentida, que encuentra en la poesía un refugio y un medio para explorar lo humano desde una perspectiva emotiva y contemplativa. Su lectura invita tanto a la introspección como al deleite estético.Los poemas se dividen en diferentes momentos y escenarios, desde lo romántico y pasional, con textos dedicados al ser amado y piezas que evocan recuerdos, sueños y pérdidas. La naturaleza, el paisaje y elementos simbólicos como la luna, el mar o las estaciones del año sirven de marco para transmitir estados del alma y conexiones espirituales.También existe un componente identitario y cultural, visible en referencias geográficas como Almería, Zamora o Castilla, y en figuras históricas como la del Cid, que aportan un aire épico y tradicional a algunos poemas. La presencia de escenarios cotidianos, como playas, campos o monasterios, convive con imágenes más oníricas y espirituales.
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La Ciudad de México es un lugar único en el mundo, no sólo por su belleza natural repleta de paisajes boscosos rodeados por volcanes, sino también por su rica e inagotable cultura e historia. Este libro explora la trascendencia histórica que se verifica en el día a día de los citadinos, tanto en el ámbito natural como urbano, abordada desde una perspectiva prehispánica hasta el enriquecimiento cultural derivado de la conquista de México-Tenochtitlán, haciendo especial énfasis en el impacto que tiene el pasado histórico de la ciudad en la actualidad.
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O proceso recrea a causa xudicial á que foi sometido Curros Enríquez pola publicación de Aires da miña terra. Apaga o candil retrata a atribulada vida e divertida obra de Carlos O Xestal. O Xestal e Curros en dúas pezas teatrais nun mesmo volume? Que elo pode haber entre eles? A cultura popular. En cadanseu ámbito, e ao seu xeito, os dous beben das augas da tradición oral galega: Curros tecendo moito do seu universo poético a partir de historias, lendas e ditos que corrían de boca en boca, elevando eses humildes materiais á categoría de escrita fundacional. O Xestal dando pulo e continuidade a unha oralidade herdada, recollida por el nos máis enxebres foros: fiadas, romarías, mallas e noites na lareira. Sendo el mesmo, no seu oficio de conteiro, axente vivo de literatura oral. Figuras controvertidas, cada unha coas súas vicisitudes, ricos personaxes teatrais que, de seguro, gustarían da súa recíproca compaña.
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El lector tiene en sus manos versos que, desde la nostalgia de quien partió, por la conjunción de una crisis personal y una oportunidad laboral, hablan de la impronta indeleble de la tierra y la época que, tras vernos nacer, acompañaron los avatares de nuestra infancia y juventud. Son recuerdos del primer hogar, amistades y sueños, horas felices y retos superados así como de las sólidas raíces y el cálido abrazo de tierra y tiempos adonde, no importa donde estemos, mil recuerdos impregnados de melancolía quieren volver, aun sabiendo que al regreso ya nada será lo mismo. El tiempo pasa y lugares, pueblos y gentes cambian, igual que cambia quien los añora y extraña.
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Los poemas que Paola Soto escribe en este libro giran en torno a la casa como un elemento que dispara distintas preguntas. ¿Qué signifi ca realmente una casa? ¿Dónde se encuentra? ¿Es algo susceptible al cambio o a la transformación? ¿Se puede existir sin casa? ¿Es lo mismo casa que hogar? ¿Sigue siendo una casa ese lugar al que volvemos? ¿Es siempre la casa un lugar seguro?Paola viaja por las relaciones familiares y por sus dinámicas, por el amor y por aquello que lo rodea, por los traumas, las distancias y las penas, pero también por el apoyo y por los procesos de cambio que le llevan a abrochar su adultez con su mundo interior. En Siempre será tu casa, la poeta lanza estas preguntas a sí misma y a quien la lee como si fueran un cristal que devuelve el refl ejo sin esfuerzo. A través del simbolismo y las representaciones, logra que quien la lee viaje con ella. Lo hace con dureza, pero al mismo tiempo moldea las palabras con la suavidad de la nostalgia y el cuidado de quien sabe que, casi siempre, es necesario escribirlo para entenderlo.
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¿Ser agradecidas o dejarlo pasar como si nunca hubiéramos vivido? ¿Invertir el genérico y decir amigas, o reconocer que desde la infancia fueron más las amigas las que como flores aparecieron en mi vida?, ¿pueden las madres ser amigas de sus hijas?, ¿llegaremos a reconocer que de nada sirve cuantificar los hechos ni los sueños, ni dudar de qué fue más real? A todas y a todos por igual el mismo agradecimiento por haber sido su amistad el sol y no el hielo, una tierra fértil y acogedora y no la roca ni el desaliento, por delicadeza, por haber logrado que nos detuviéramos un instante y el sentimiento surgiera como la flor que nos admira un instante y nunca olvidamos.
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«Mihura. El último comediógrafo» recorre la trayectoria de Miguel Mihura (1905-1977), marcada por desencantos, desamores, fracasos y algunas glorias tardías. La obra narra la historia del éxito de Tres sombreros de copa, que solo llegó dos décadas después de haber sido escrita. Adrián Perea nos sumerge en la dualidad entre Miguel, el hombre, y Mihura, el escritor, cuyas vidas quedaron irremediablemente ligadas a aquella primera obra.«Observen a estos hijos de puta» es una comedia que arranca con una petición insólita: el presidente de un importante club de fútbol solicita al nuevo presidente del gobierno que los delfines sean reconocidos como animales de compañía. Este absurdo punto de partida desencadena una serie de situaciones que exponen el abuso de poder y la corrupción en ámbitos como el fútbol, la política y el teatro, reflejando cómo estas prácticas se han normalizado en nuestra sociedad.
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El deute
Explora les profunditats emocionals de ''El deute'', un drama captivador que revela els secrets més ocults de les relacions humanes. Descobreix les emocions ocultes i els secrets que poden canviar-ho tot.. El deute és una captivadora peça teatral que t'endinsarà en les complexitats de les relacions humanes, amb personatges que no oblidaràs fàcilment. En l'obra de teatre El deute, Rodolf Sirera ens convida a explorar les capes més profundes de les relacions humanes a través d'una peça teatral carregada d'intensitat i matisos. . Sirera brilla per la seva habilitat a l'hora de crear diàlegs naturals i introduir conflictes amb subtilesa. A mesura que la trama avança, la tensió augmenta de manera palpable, mantenint el lector en un estat de constant expectació. . El deute es converteix així en una poderosa reflexió sobre el pes de les decisions passades i la forma com aquestes poden influenciar el present, oferint una perspectiva única i reveladora sobre la condició humana.
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NO ON (rèquiem)
NO ON és un text sobre la mort i alhora un text que assaja de ritualitzar la mort. La primera part, NO ON, és un rèquiem. Segueix les parts i els temes del text de la litúrgia cristiana amb algunes adaptacions i amb les idees que la nostra cultura i alguns pensadors contemporanis han anat forjant. Hi ha subtils paral·lelismes temàtics, formals i textuals entre aquest text i el de la litúrgia, tot i que els punts de partida i els discursos sobre la mort són radicalment diferents. La segona part, Salmòdia, està concebuda com un recitat col·lectiu. Un text oral obsessiu i embolcallant, que oscil·la entre el discurs lògic i racional i el discurs intuïtiu i poètic, la lectura del qual demana una comprensió conjunta per les vies de la raó i per les delssentits i l'emoció. Atès el caràcter oral d'aquesta segona part, el llibre es completa amb un CD que conté una composició de Xavier Maristany feta a partir de lectures col·lectives del text.
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1925-2025: Centenario del nacimiento de Ángel González Con este volumen, se presenta una muestra de la fundamental poesía de Ángel González acompañada por las siempre elegantes y sugerentes ilustraciones de Pablo Auladell. La obra de Ángel González es una mezcla de intimismo y poesía social, con un particular y característico toque irónico, y trata asuntos cotidianos con un lenguaje coloquial y urbano, nada neopopularista ni localista. El paso del tiempo y la temática amorosa y cívica son las obsesiones que se repiten a lo largo y ancho de sus poemas, de regusto melancólico pero optimistas. El prólogo es de Javier Rioyo.
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Alfred Brendel, el internacionalmente famoso pianista (¡y poeta!), nació en 1931 en la por entonces Checoslovaquia, viviendo después en Yugoslavia y finalmente en Graz, Austria. Ha escrito varios libros de poesía, de humor y crítica, o humor crítico, o simplemente humor, pues éste no puede dejar de ser crítico si es excelente como el de sus poemas. Los poemas de Espejo cóncavo y duende negro, ''escritos entre sueño y vigilia'', según Brendel, combinan el sentido y el sinsentido, el orden y el desorden, melancolía y humor, evocan con frecuencia el absurdo de la gente que incurre en ilusión, a veces con gracia a veces con temor, en una combinación de elementos incongruentes que lleva al lector a una sonrisa a la vez sarcástica y melancólica. Los sujetos de su crítica humorística van desde las óperas clásicas de sorprendente final, hasta Budas en parejas con Papás Noel, pasando por todo tipo de animales domésticos, músicos inmortales, condenados a la horca, tenores, pianos, ciudades, ideas, opiniones, un club de ambivalencias, etc. La temática es inagotable y el humor de sus resoluciones inesperado, inteligentemente sensible, sarcástico y genial, como a Brendel corresponde. La colección RAPTO DE EUROPA intenta ofrecer una selección incesante de poetas máximos de las diversas lenguas del continente europeo, clásicos de su modernidad y señeros de la actualidad en cuidadas traducciones dirigidas por José Luis Reina Palazón.
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L'os de la música
Hem après amb el temps a saber esperar: a garbellar el fruit i destriar-ne la corfa, i ara ens sorprèn l'art d'estimar: gremi que s'extingeix a colps de colze tosc damunt la taula coixa.
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Poesía es un libro en el que Adolfo Castañón reúne los versos de Alfonso Reyes que habían aparecido dispersos en los veintiséis volúmenes de sus Obras completas. Los cincuenta textos de este último título de la colección Capilla Alfonsina se encuentran organizados en cuatro secciones: ''Raíces'', sobre su familia e infancia, ''Insomnios, compañías, saudades'', acerca del amor, la amistad y la soledad, ''Convivios'', sobre su poética y el arte de vivir, y ''Grecias'', que contiene los poemas mayormente configurados en torno a la Hélade.
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[…] Pla dice que hay que escribir como se escribe una carta a la familia, pero con un poco más de cuidado. Aquí voy a hacerlo como si hasta las cartas fueran un alarde de retórica. Como si hablara solo. * […] He estado en la cárcel, he hecho una huelga de hambre, he sufrido un divorcio, he asistido a un moribundo. Una vez fabriqué una bomba. Negocié con drogas. Me dejó una mujer, dejé a otra. Un día se incendió mi casa, me han robado, he padecido una inundación y una sequía, me he estrellado en un coche. Fui amigo de alguien que murió asesinado y fue enterrado por los asesinos en su propio jardín. También conocí a un hombre que mató a otro hombre, y a uno que se ahorcó. Sólo es cuestión de edad. Todo esto me ha sucedido en una vida en general muy tranquila, pacífica, sin grandes sobresaltos. * […] Ni «espíritu de sacrificio», ni «afán de superación», ni «aspiración a la excelencia». Ni ningún respeto o simpatía por tales cosas.
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Un Dios Padre senil y cansado, aturdido por las voces aduladoras de los ángeles, un Jesús indolente, derrotado y en decadencia, y una María obsesionada por el sexo y cansada de ser virgen, decidirán pedir los servicios del Diablo para desatar una plaga que castigue a los hombres por sus excesos. Escrita por Oscar Panizza en 1894 y ambientada en la corte papal de los Borgia, esta obra —en la que en su día un tribunal encontró noventa y tres blasfemias manifiestas— está marcada por una poesía desbordante, negra y despiadada gracias a la cual el Diablo, creador por encargo del Sumo Hacedor de la sífilis, se convierte en el más grande exponente de la dignidad humana. La presente edición, traducida del alemán por Luis Andrés Bredlow, lleva un prólogo de André Breton y un epílogo de Julio Monteverde en el que se hace un recorrido por la asombrosa persecución que desde su primera edición hasta nuestros días ha sufrido este texto.
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Las obras más emblemáticas de García Lorca en el 75 aniversario de su muerte. Selección de las mejores obras de Federico García Lorca: Libro de poemas, Mariana Pineda, Romancero gitano, Poema del cante jondo, Llanto por Ignacio Sánchez Mejías, Poeta en Nueva York, Diván del Tamarit, La casa de Bernarda Alba, Bodas de Sangre.
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Sense en Jofre
Aquesta història comença amb un retall de diari. L' Aran el troba mentre remena les pertinences de l' Elisenda, la seva mare morta. La notícia, amb data del 20 d' agost del 89, es refereix a la troballa del cos sense vida d' en Jofre Coll
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Mi alma y tú, Minotauro es una colección de poemas y pensamientos que invita a explorar las pasiones humanas, siendo el lector entidad de lo instintivo y lo racional. Inspirado en el mito del Minotauro, esta obra reinterpreta a la criatura mitológica no como un monstruo, sino como un ser atrapado entre lo humano y lo animal, exponiendo así las profundidades del alma humana. El Minotauro, nacido de lo divino y lo salvaje, fue condenado al laberinto, símbolo de los caminos del espíritu. Su mirada inocente recorre estos versos de amor, deseo, ira, soledad y redención. Con lenguaje directo, este poemario teje un puente entre la razón y el instinto, sabiendo que la verdad está en su punto medio de encuentro.
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Cargado de simbolismo y hondura, Astrocanto, el nuevo libro de Sofía Díaz Gotor, abarca temas como la muerte, el duelo, la memoria y la trascendencia. Poesía que explora las relaciones entre materia y espíritu, la naturaleza y lo celestial, mediante imágenes del firmamento, el agua, los cuerpos y la luz. La pérdida actúa como eje afectivo del poemario, generando un entrelazamiento entre lo personal y lo cósmico donde el lamento se convierte en un canto universal de transformación y permanencia.
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Erika Martínez nació en Jaén el 11 de diciembre de 1979. Vive desde niña en Granada. Es licenciada en Filología Hispánica y en Teoría de la Literatura por la Universidad de Granada, donde imparte clases en la actualidad. Se doctoró con una tesis sobre poesía hispanoamericana contemporánea. Ha realizado la edición y el prólogo de La voz en bandolera (Visor, 2007), antología de la poeta argentina Diana Bellessi.
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SE cumplen cuatro siglos de la publicación de los Sonetos de Shakespeare. ¿A quién puede interesar hoy su lectura? A ti que gustas del placer de sentirte seducido por la sugestión de la palabra, el arrastre balanceante del ritmo y la rima, la sorpresa de una imagen osada o luminosa, el susurro del lenguaje amoroso, la explosión de las pasiones en una trama amorosa en la que se enzarzan dos amores furtivos: un hermoso y noble joven al que ama y admira, y una dama morena sensual que subyuga primero al poeta y seduce después a su joven amado, marginando al poeta que se desahoga en sonetos de agudo dolor y satírico despecho. Yo tengo dos amores -consuelo y desconsuelo- que como dos espíritus me tientan de continuo. Mi ángel es un hombre encantador y bello y una mujer morena, mi espíritu maligno. (Soneto 114) IGNACIO GAMEN
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Este tomo reúne tres de sus obras más significativas, que reflejan otros tantos tipos humanos, en los que importa más el carácter que la trama y lo universal de sus rasgos, sobre lo particular de la época, y donde la sátira moral y la social se unifican en estos personajes, elegidos reiteradamente por intérpretes de todo el mundo.
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El tiempo y la memoria, una cicatriz, la herida del tiempo golpeando desde las regiones del olvido, un acompañante invisible que nos sigue a todas partes y que a veces nos protege y otras veces nos condena, oscilando entre la ternura, la desolación y el asombro, dejando siempre abierta una pregunta: ¿qué parte de nosotros permanece cuando todo cambia?Naturaleza de la sombra se adentra en un territorio de búsqueda doble del yo y del otro, en un intento de regreso a una esencia perdida frente a los discursos preestablecidos, trazando un mapa emocional lleno de imágenes simbólicas, referencias míticas y momentos cotidianos cargados de una profundidad inesperada que nos ayuda a saborear la vida. Sus poemas, en un estilo íntimo y directo, crean un tú orgánico, un cómplice que nos sirve de guía para traspasar los límites de la sombra en busca de un conocimiento indestructible, a través de un viaje donde se dan cita el amor y la muerte, el sueño dentro del sueño, el observador y la perspectiva, el deseo y la posesión, la ausencia y la presencia, el anhelo de una verdad compartida, la magia del instante, el misterio del otro y del uno mismo en un proceso vital de reconexión y transformación ante la posibilidad de encontrar un paraíso.
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El teatro de Tirso de Molina es un enclave en la historia del teatro áureo situado entre el inicio sobresaliente de Lope y la culminación triunfante de Calderón, sobre todo en lo que a la comedia de enredo se refiere. Entre ''La dama boba'' y ''La dama duende'' se sitúa el eslabón de un nutrido puñado de comedias tirsistas en las que las mujeres llevan la iniciativa, dirigen la trama siempre en su beneficio y en la lenta pero imparable imposición de su libre arbitrio como quien no quiere la cosa. Tirso dio a sus personajes, sobre todo a las mujeres, el coraje y la fuerza de la autodeterminación, dentro de los límites que su tiempo marcaba. Tirso juega con el ''engaño a los ojos'', con que casi nada sea lo que aparenta a primera vista, con las urdimbres del enredo y la eficacia humorística y cómica. ''La celosa de sí misma'' es una de las mejores comedias de intriga escritas por Tirso de Molina, empezando por la paradoja del título. Sobre el muy antiguo motor teatral de los celos, Tirso logra crear uno de los personajes femeninos mejor acuñado por su pluma. Rizando el rizo, el tercero o tercera que exige toda trama de celos se convierte en un desdoblamiento especular de sí mismo, demostrando así que un personaje con capacidad imaginativa y herencia de ''curioso impertinente'' puede desdoblarse en su mismo rival por el amor de un galán que resulta ser, simultáneamente y por la misma persona, deseado y rechazado.
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Un personaje anónimo filosofa sobre lo divino y lo humano. Así surge el recuerdo, la anécdota encarnada en ese perro maltratado por su amo, un homeless neoyorkino al que a su vez apalearán sin piedad respetables ciudadanos, o en ese grupo de pizzeros mejicanos sin papeles que noche tras noche fantasean con un premio de lotería que nunca llegará... Se trata de ''El privilegio de ser perro'', el monólogo en su forma más pura que, sin embargo, desembocará en atroz nostalgia y en rabia apenas contenida. Con todo, no sucede así en los otros dos monólogos de Juan Diego Botto: en ''Arquímedes'', habla un funcionario de inmigración que amonesta paternal y cínicamente a un africano en busca de visado, y en ''La carta'', basado en un suceso real, el pequeño Fodé, oculto en el tren de aterrizaje de un avión, redacta junto a su amigo Yoguiné ?turbadora no-presencia en extremo vívida? una carta dirigida a los «señores responsables de Europa» antes de morir congelado.También en el monólogo de Roberto Cossa (''Definitivamente, adiós'') la voz se desdobla, cual labios de una misma herida, pero ahora en el acento español y en el deje porteño: tres generaciones, a caballo entre España y Argentina, marcadas por el trágico destino de ambos países, se aferran a su identidad, a su nostalgia, y comparten su desarraigo ante la tumba del abuelo republicano, del padre represaliado por la dictadura, en un adiós que ya parece ser definitivo. Juan Diego Botto (Buenos Aires, 1975), actor precoz, hijo de actores y hombre de firme compromiso político, es sin duda una de las nuevas figuras ascendentes en el panorama cinematográfico y teatral español. Desde que, siendo aún un niño, abandonó la Argentina de la dictadura junto con su madre, la actriz Cristina Rota, ha desarrollado una sólida carrera artística que ha contado con un amplio reconocimiento de público y crítica. Entre sus películas más destacadas se encuentran Historias del Kronen (Montxo Armendáriz, 1995), Martín (Hache) (Adolfo Aristaráin, 1997), Asfalto (Daniel Calparsoro, 1999), Plenilunio (Imanol Uribe, 2000) y Roma (Adolfo Aristaráin, 2004). En los escenarios ha interpretado, entre otras obras, Coriolano (W. Shakespeare), Alessio (Ignacio G. May), Ciudades perdidas (Daniel Suárez), El rufián en la escalera (J. Orton) y Rosencrantz & Guilderstern han muerto (Tom Sttoppard).Roberto CossaDramaturgo y periodista, la de Roberto Cossa (Buenos Aires, 1934) es una de las voces más lúcidamente críticas de la escena argentina de los últimos treinta años. Desde sus profundas convicciones de izquierdas, Cossa disecciona certeramente la realidad social, histórica y política de su país en su tortuosa evolución a lo largo del siglo xx. Dentro de su prolífica producción teatral cabe destacar Nuestro fin de semana (1964), La pata de la sota (1967), El viejo criado (1980), Gris de ausencia (1981), El Sur y después (1987) y Los años difíciles (1997).
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La casa de Bernarda Alba | Doña Rosita la soltera es el séptimo y último volumen de la Biblioteca Federico García Lorca y el cuarto de los que reúnen su «Teatro completo». En este volumen se ofrecen al lector clásicos lorquianos como La casa de Bernarda Alba y Doña Rosita la soltera. Asimismo, se incluyen conferencias y charlas ofrecidas por el poeta en torno a sus textos, lo que permite una aproximación aún más personal a su obra. La edición y los prólogos, a cargo de Miguel García-Posada, permiten al lector acercarse a la complejidad de su obra y disfrutar, a lo largo de los siete volúmenes que componen esta Biblioteca Federico García Lorca, de uno de los autores españoles más relevantes del siglo XX. Luis Buñuel dijo...«De todos los seres vivos que he conocido, Federico era el primero. Ya se pusiera al piano para interpretar a Chopin, ya improvisara una pantomima o una breve escena teatral, era irresistible. Era como una llama.» --------------------------------------------------------------------------BIBLIOTECA FEDERICO GARCÍA LORCA Poesía competa:1. Libro de poemas | Primeras canciones | Canciones2. Romancero gitano | Poema del cante jondo3. Poeta en Nueva York | Sonetos Teatro completo:4. La zapatera prodigiosa | Mariana Pineda5. El público | Así que pasen cinco años6. Bodas de sangre | Yerma7. La casa de Bernarda Alba | Doña Rosita la soltera--------------------------------------------------------------------------
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Onada
Onada és el segon llibre que va publicar Teresa d'Arenys, el 1980, quatre anys després d'obtenir el premi Amadeu Oller amb Aor. Onada recull una suite de poemes, emmarcats per unes poques proses breus i l'ombra d'Omar Khayyam, en record de l'amic poeta Pep Coll, que, com diu l'endreça inicial, «en preferir la mar, vas escriure el darrer dels teus versos». Amb un nou pròleg d'Oriol Izquierdo, marmessor de l'obra de l'escriptora, aquesta edició rescata el llibre i alguns elements del seu singular procés de creació i d'edició, a cavall entre Horta de Sant Joan i el Maresme. Per convidar el lector a seguir el consell amb què Valerià Pujol tancava el pròleg fa quaranta-cinc anys: «Caldrà potser mirar els estels per tal de no perdre's i invocar vents favorables.»
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Més música, mestre!
Més música, mestre sisplau! Que la que sonava ja fa estona que ha callat. Feu-nos ballar, mestre, que estem encarcarats. Feu-nos emocionar, que ja ens estàvem tornant de suro. Feu-nos escoltar, mestre, que de tant sentir ja ens estàvem tornant sords. Engegueu tots els instruments! Soneu totes les tonades! Més música! Sisplau!…
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Peter Weiss hizo este drama propio, en homenaje a Franz Kafka, cuando ya le quedaba muy poco tiempo de vida, a los pocos años de haber hecho él mismo una adaptación teatral de la famosa novela ''El proceso''. La lectura actual de este nuevo proceso es un placer, pero tambien puede formar parte de ese homenaje debido a los grandes escritores revolucionarios, como Peter Weiss.
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