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Libros de Teatro, Poesía y Relatos
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El tragaluz comienza como una obra de ciencia ficción. Dos investigadores pertenecientes a un futuro muy lejano se dedican a rescatar sucesos del pasado por medio de unos detectores electrónicos. Su propósito es divulgar la historia de hombres y mujeres que ya no existen para que nadie repita los errores que la humanidad cometió en otro tiempo. Los espectadores de El tragaluz presenciamos uno de los casos recuperados: el devenir de una familia española de la década de 1960 que ha quedado marcada por el horror de la guerra civil. Su vida está regida por el recuerdo de un traumático episodio del pasado que nunca cicatrizó del todo, y cuando la herida se reabre, estrella la tragedia. Amarga y desoladora, pero abierta al mismo tiempo a la esperanza, El tragaluz es una de las obras maestras de Antonio Buero Vallejo (1916-2000), quien nos muestra el presente desde la perspectiva futura con el sano propósito de arrojar luz sobre lo que somos. El dramaturgo se pregunta si es posible desentrañar el enigma de la personalidad humana, si hacen bien quienes se aíslan de todo porque detestan la sociedad en la que viven y si hay que olvidar los errores del pasado o es mejor recordarlos aunque nos duelan.Esta edición de El tragaluz ha sido elaborada por Jesé Ramón López, profesor de la Universidad Autónoma de Barcelona, y cuenta con una valiosa introducción que descifra las claves de la magistral tragedia de Buero, y con un apéndice de actividades que ayudará a los lectores a profundizar en el sentido de la obra.
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Amb 29 anys, Gabriel Ferrater començà a redactar articles sobre l'art de la pintura amb un criteri lúcid i provocatiu. Qui, si no ell, sense cap aval acadèmic, s'hauria atrevit a criticar públicament pintors aleshores ben consagrats, com ara Casas o Rusiñol, Picasso o Sunyer? El quadres que Ferrater pintà al Mas Picarany de Reus ?reproduïts per primera vegada? ens permeten d'entreveure la vida convulsa i l'esperit ferotgement curiós d'un poeta corprenedor que ens ensenya a mirar i a enraonar sobre el que veiem.
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Los poemas de ''Brindis y desesperación'' ofrecen una visión diferente sobre lo cotidiano, desde las dos caras opuestas de la vida.La poesía de Miguel Sande explora ese mundo agridulce que nos ofrece el día a día, todo lo que la cotidianidad promete de extraordinario e inesperado. Y, al mismo tiempo, también nos adentra en esa zona que surcan quienes sienten que han iniciado eso que llamamos «el camino de vuelta». El autor profundiza en las zonas grises de nuestra conducta, en los detalles que deseamos ocultar y que él nos expone con ternura y dureza en una mezcla difícil e inaudita, como la propia existencia: Brindis y desesperación, las dos caras de la vida.
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Si queremos evitar afrontar la realidad que nos rodea, las cicatrices siguen estando ahí y, cuando menos te lo esperas, vuelven a palpitar.Cuando nuestro pasado se planta en nuestro presente y crece la herida regada por el recuerdo, solo nos queda entender que hasta la cicatriz que parecía curada puede volver a doler. Que tan importante es ponerse la tirita como quitarla, de vez en cuando, para tratar el recuerdo que sigue infectando la herida. Cicatrices que aún duelen es un canto a la defensa de la verdad de uno mismo. Alba González nos habla sin tapujos de la salud mental, se enfrenta cara a cara a los fantasmas que asolan el siglo XXI, como la depresión y la ansiedad generalizada.
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Setè dels 8 volums de la nova Història de la literatura catalana. Una història amb una visió innovadora i clara. Serà la primera història de la literatura catalana planificada i dissenyada de bon començament com una obra col·lectiva i representativa del coneixement acadèmic actual de la matèriaEl setè volum, Literatura contemporània (III). Del 1922 al 1959, enllaça amb l'anterior volum, al qual està indestriablement lligat i complementa. Si fins ara la Guerra Civil Espanyola fixava una frontera ineludible, aquest nou volum reinterpreta les sinergies literàries del període. I si bé el determinisme bèl·lic donarà lloc, inevitablement, a una literatura de guerra i exili, també podem constatar que tot i el trencament que representa la guerra, hi haurà propostes estètiques que evolucionaran i es diversificaran malgrat la guerra. Des del resistencialisme interior hi ha una voluntat d'enllaç, de continuïtat i de reivindicació estètica d'aquest passat com una manera de superar les conseqüències de la guerra. El debat sobre simbolisme i postsimbolisme és un exemple clar d'aquesta evolució estètica. El nom i l'obra de Carles Riba són referent central i indispensable de tot el període. Per això l'any de la seva mort tanca la cronologia d'aquest volum, que s'inicia el 1922, amb la crisi del Noucentisme. Autors com Foix, Pla, Sagarra, Espriu, Rodoreda, Villalonga i Calders, hi són àmpliament tractats.
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La suma de los días, d'Isabel Allende (9788466360753) és una obra emotiva i escrita en el to irònic i apassionat que caracteritza a l'autora, i en la que ens entrega la suma dels seus dies com a dona i alhora com a escriptora.En La suma de los días, Isabel Allende narra con franqueza la historia de su vida y la de su peculiar familia en California, en una casa abierta, llena de gente y de personajes literarios, y protegida por un espíritu, hijas perdidas, nietos y libros que nacen, éxitos y dolores, un viaje al mundo de las adicciones y otros a lugares remotos del mundo en busca de inspiración, junto a divorcios, encuentros, amores, separaciones, crisis de pareja y reconciliaciones.También es una historia de amor entre un hombre y una mujer maduros, que han salvado muchos escollos sin perder ni la pasión ni el humor, y de una familia moderna, desgarrada por conflictos y unida, a pesar de todo, por el cariño y la decisión de salir adelante.Reseña:«Con una vida familiar como la suya, es fácil entender por qué el último libro de Isabel Allende es autobiográfico: hay suficientes personajes fantásticos e intensidad dramática como para abastecer de trama a varias novelas.»The Times
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Respira hondo, respira poesíaMiguel Gane, autor referente de la nueva generación de poetas, nos transporta en su tercer poemario a un universo lleno de sensualidad, en el que los sentidos son protagonistas esenciales. Poemas que cuentan el inicio y fin del amor desde el erotismo y lo corpóreo como un susurro leve que enarbola la piel. Desde Madrid a Londres pasando por París, el mundo fue nuestro por un instante. Nos quemamos en el fuego, nos revolcamos en la tierra y nos empapamos en el mar. Tan vivos, tan libres, todo lo probamos. Pero entendimos que estábamos ante el fin cuando aquello que nos había unido empezó a separarnos y, en el aire, fuimos dos aviones con rutas diferentes. Lo que queda después del amor es lo que nos define. Llevas mi piel en los labios, pero, nunca lo supe con seguridad, ¿los usaste para morderme o para besarme?
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La rebelión del pueblo de Fuente Ovejuna ante los excesos de Fernán Gómez, comendador de Calatrava, aparece mencionada en varias crónicas históricas. Lope de Vega se inspiró en una de ellas para crear su conocidísima y celebradísima obra teatral, que tenía como trasfondo político las luchas de la nobleza por un poder que había iniciado la transición de un régimen feudal atomizado a la implantación de una monarquía más sólida.En manos de Lope, el texto cobra una complejidad y un interés excepcional, en el que lo literario trasciende lo ideológico y en el que son fundamentales los debates sobre el orden establecido, la honra, el sentimiento de comunidad y el amor.
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Premio Carles Riba 2022Llavina al cent per cent, un observador nat.Va ser, secret, un rusc vermell: magranasupervivent del darrer esplet. Avui,en canvi, és el cadàver d’una fruita:per dins, conserva un gruix de grans desfets,negrós, velat de podridura blanca.I, com la sang que es va escorrent del xaipenjat, se n’ha escolat el suc vinósfins a l’última gota. Fosca, ingràvida,la carcassa —unes bastes castanyoles—branda agafada al branquilló espinós,deixada de la mà de déu del vent.
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Escrita en 1932 y puesta en escena por vez primera en 1952, «Tres sombreros de copa» es la obra más renovadora del teatro cómico español del siglo XX. El fugaz idilio que, en vísperas de su boda, mantiene un pusilánime joven con una encantadora bailarina, sirve a Mihura de pretexto para dramatizar el enfrentamiento entre dos concepciones de la vida antagónicas: la de las artistas del music-hall, caracterizada por su alegría, desenfado, imaginación y amor a la libertad, y la de los representatntes de una burguesía provinciana hipócrita, aburrida, cursi y llena de convencionalismos, que Mihura satiriza a través de diálogos y situaciones de un humor desternillante, disparatado, irracional y absurdo.
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Nora Ephron és una de les escriptores feministes més incisives i hilarants de la literatura nordamericana del segle XX, una articulista d'energia imparable i una guionista de cinema multipremiada. No m'enrecordo de res és un recull dels seus articles més mordaços i afilats que ofereixen una mirada còmica sobre el passat i una crítica àcida i personal contra les vicissituds de la vida moderna. Aquestes pàgines ens transporten des de la seva primera feina a la sala de correus de la revista Newseek a les sis fases del correu electrònic, des de records de les festes glamuroses i bullicioses dels seus pares a la vida plena de ''moments senils'' -o, com en diu ella, ''moments Google''-, des dels fracassos més estrepitosos de la seva carrera a les millors alegries. Plena de perspicàcia i d'observacions autèntiques i encertadíssimes, No m'enrecordo de res és un recull deliciós i punyent d'una de les escriptores més desacomplexades del panorama nordamericà. ''Tots els assajos de Nora Ephron (quina dona més llesta, feminista i estupenda) són genials. Ephron és una gran senyora, i una analista intel·ligent de la societat contemporània'', Isa Calderón
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'El buen soldado Svejk me enseñó a mirarlo todo desde la perspectiva de los marginados, de los de abajo. Y desde el punto de vista de la docta ignorancia, o sea, apagando el brillo del intelecto e intentando ser igual al polvo en que me voy a convertir. El buen soldado Svejk me enseñó a preferir la vivencia al saber puro.'' Bohumil Hrabal
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Visions & Cants és un llibre de poemes que es va publicar l'any 1900, on Maragall, des d'una perspectiva modernista, va presentar la seva aportació al moviment regeneracionista i catalanista. La seva anàlisi de personatges mitificats de la cultura catalana pretén descobrir els trets que defineixen l'ànima catalana. Amb els seus cants vol participar en el moment d'autoafirmació que està vivint la societat catalana del seu temps.A l'edicio en paper, va precedit d'un estudi preliminar i un glossari, es complementa amb una sèrie de propostes de treball i comentaris de text que permetran aprofondir dins i fora de l'aula en una de les obres cabdals del gran poeta català.áL'EDICIÓ DIGITAL D'AQUEST LLIBRE NO INCLOU L'ESTUDI PRELIMINAR I LES PROPOSTES DE TREBALL.
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Un polémico ensayo sobre la poesía española más viva, dinámica y actual, esa que nace de un movimiento poético multiforme y desprovisto de plataforma, formado por un grupo numeroso de autores y autoras que irrumpe en la escena literaria con obras renovadoras, de inusual energía y calidad, en un tiempo donde la literatura comercial parecía imponerse completamente. Aviso de lectura Pues si Paul Éluard dijo aquello tan sabio y rotundo de «La poesía es algo absolutamente necesario aunque me gustaría saber para qué», imagínense lo que diría de un ensayo sobre poesía: «Este libro es absolutamente innecesario y por tanto polémico, inevitable, posmoderno y personal». Si la poesía, Homero dixit, es un virus troyano programado para alterar el disco duro de la imaginación colectiva y un poeta es un explorador o un señuelo lingüístico que se envía por delante para tratar de localizar los campos de minas, un ensayo es una resonancia semántica del cuerpo poético que nos ha tocado en suerte y nos muestra de qué adjetivo cojeamos y de qué sustantivos andamos escasos. La poesía como moneda no mercantil, expulsada de la lógica del mercado y por tanto suelta, promiscua, disponible y viajera. Fuera del mercado pero invadiendo las nuevas geografías virtuales. Poetas con afanes similares de independencia y ruptura, surgidos sin contar con una plataforma o programa común, y que expresan sus intuiciones sobre asuntos de gran relevancia -la subjetividad construida por los medios de comunicación, los avances tecnológicos y científicos, la globalización, etc.- elaborando nuevas propuestas bajo una certidumbre extraña. Una convicción en buena medida ajena a criterios de repercusión social o económica: la certeza de que el arte verbal mantiene su vigencia en la era postindustrial como un reflejo primordial de la experiencia humana. No spam. Agregar a favoritos.
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Sin contar es un libro de miniaturas poéticas, o haikus, de W. G. Sebald con grabados del pintor alemán Jan Peter Tripp, amigo suyo desde la infancia. La finalidad es que texto e imagen entablen un diálogo en el que cada uno tenga su propia resonancia.
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El Romancero Gitano de Federico García Lorca es, sin duda alguna, el libro de poemas más popular del siglo XX en castellano. Lorca maneja el idioma con habilidad sorprendente, con una ''facilidad difícil'' para literaturizar la realidad, conviertiéndola en narrativa poética: la muerte de Antonio Camborio a manos de sus cuatro primos, la persecución de las tribus gitanas por la Guardia Civil, los pechos de dura plata de Soledad Montoya, el erotismo presente de La casada infiel, son algunos de los motivos y los temas que perviven en la memoria popular.
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Los Astros es una colección de cuentos de amor. De pasión, muerte y placer. De melancolía y memoria. Cuentos breves y microrrelatos, que dibujan el mapa de los sueños más profundos de las mujeres y los hombres, de sus anhelos más ardientes, de sus emociones y del rastro que dejan en el espíritu y en el tiempo tanto su plenitud como su dolor y su ilusión. Los personajes de Los Astros buscan la felicidad, y muchas veces la encuentran, y lo proclaman. Pero también encuentran el dolor o la aceptación, el humor o esa lúcida alegría donde brilla la tristeza del destino del hombre. Eros y Thanatos juegan la partida en estas páginas, unas veces gana el amor y otras la muerte. Pero son muertes transidas de amor, y son amores avisados de finitud, lo que, por otra parte, no afecta a su vivencia frágil y eterna a la par. Porque solo el amor detiene el tiempo y nos hace inmortales.
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Aquest llibre conté una edició facsímil del manuscrit, una edició diplomàtica i crítica a cura d'Amadeu-J.Soberanas i Andreu Rossinyol, i un estudi de les fonts i l'estructura a càrrec d'Armand Puig.
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Hellen Keller, escritora sordociega estadounidense, afirmaba que las cosas más bellas solo pueden sentirse desde el corazón. Victor Hugo, poeta y novelista francés, aseveraba que la incurable sordera es la de la mente. De la mano de estos dos autores, María J. Mena nos invita a adentrarnos en Poemas sordos, su segunda aventura poética, en la que ha unido corazón y mente en un hilo secuencial de melodías y acordes.
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Esta novedosa propuesta de Defreds sorprenderá con un ejemplar artístico en el que destacan las ilustraciones de Lady Desidia y unas hermosas caligrafías que dan forma a su pensamiento. El libro está compuesto de distintos apartados, cada uno protagonizado por un planeta, como un personaje con sus cualidades y defectos, con marcados rasgos de personalidad, sus filias y fobias. Y a partir de ellos nos narra emociones y experiencias vitales que nos interpelan: una representación del mundo caótico que nos toca en suerte y en el que tanta falta hacen los afectos. Un cuento del siglo XXI en el que se habla de personalidades diferentes, como una “,panda planetaria”, que se enfrenta a cada día, y como siempre de ternura, de amistad, de pasión, de la infancia, la paternidad, la alegría y la tristeza, de la esperanza en un mundo mejor, con el convencimiento de que en el amor radica el verdadero sentido de las cosas. Un cuento universal e inspirador para los lectores de hoy y en especial para los incondicionales de Defreds que sabrán apreciar su delicadeza y sentimiento. Calará en el corazón de todos.
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Escrito entre 1929 y 1930, y publicado por primera vez en 1940, Poeta en Nueva York es una de las obras clave de la producción poética de Federico García Lorca y una de las más importantes de la lírica del siglo xx. Esta edición ofrece un acercamiento hasta ahora inédito a la misma, ya que recoge la labor de reflexión y creación que ha llevado a Josué Bonnín de Góngora a poner música a sus poemas. La presente obra se compone de las siguientes partes:Un volumen de estudio crítico realizado por Bonnín de Góngora, que recoge un profundo análisis de cada uno de los poemas en el que se pone de relieve la lectura personal que está en el origen de la propia música, en cada poema se incluye un estudio en el que se aborda la estructura de cada pieza, los simbolismos y significados buscados, su relación con el resto de composiciones del poemario, todo ello acompañado de numerosos ejemplos musicales. De este modo, se le da al lector la posibilidad, bastante inusual, de «participar» en el proceso creativo.Un volumen que recoge los poemas de Lorca, cada uno de ellos acompañados por una obra creada para la ocasión por José Manuel Ciria, uno de nuestros más reconocidos pintores en el ámbito internacional, que acierta a trasladar a un lenguaje plástico actual la potencia de las imágenes poéticas de Lorca.La grabación completa de Poeta en Nueva York de Bonnín de Góngora.Se permite así una aproximación en la que lo musical y lo plástico ponen de relieve interpretaciones novedosas que enriquecen la lectura del gran texto lorquiano. Poesía, música y creación visual así en un infrecuente diálogo, al tiempo que mantienen su autonomía
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Primera y única biografia autoritzada de Terry Pratchett, escrita amb el suport i un accés inigualable a la seva família i amics propers, que han aportat històries i imatges que mai abans s'havien sentit ni vist pel públic.
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En 1966, poseído por un súbito impulso creativo, Pier Paolo Pasolini compuso seis textos que constituyen el núcleo de su obra dramática. Poeta, novelista, cineasta, crítico y periodista, nadie pensó en definirlo como dramaturgo, ni él se consideró como tal. Pero lo cierto es que, en sus años de formación, el teatro no estuvo ausente en su horizonte creativo. En estas seis obras se aúnan todos los temas que recorren su vida y obra de principio a fin: la lucha de clases, el comunismo, los oprimidos (no solo en lo político, sino en todos los órdenes), la amistad y la lealtad (Pílades), la homosexualidad, la relación paterno y maternofilial (Fabulación) -con el tinte psicoanalítico freudiano que aún estaba en boga en la época-, el desdoblamiento de los personajes (Pocilga y Orgía), el sueño frente a la vigilia (Calderón) -y la pregunta de cuál de los dos es más real-, la guerra, el campo de concentración y exterminio, el antisemitismo, la prostitución, el suburbio, el diferente... Por primera vez en español, se reúnen en un solo volumen las obras dramáticas de Pasolini traducidas por Amelia Pérez de Villar además, acompañan a estos textos el Manifiesto para un nuevo teatro, donde deja entrever sus nuevas teorías buscando escenarios y temas distintos de los convencionales. Este es un libro que se hacía necesario para complementar la prolífica labor de Pier Paolo Pasolini, uno de los artistas más reconocidos de su generación no solo por su valioso aporte a las artes cinematográficas europeas, sino por su fecunda obra que abordó distintos géneros.
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