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Libros de diseño
Descubre nuestra colección de libros de diseño. Una amplia y variada selección de lecturas para aprender las técnicas del pintado y del dibujo profesional. ¡Conviértete en un artista! Compra libros de diseño online. En esta sección disponemos de una extensa selección de libros de diseño y artes decorativas. Lecturas que te invitarán a aprender a contar historias y dibujar, a crear objetos con cerámica, a escribir, a pintar al óleo o con acuarelas, a hacer maquetas, grabados, marquetería, serigrafía, o caligrafía con pincel. Asimismo, encontrarás kits completos de dibujo, manuales de técnicas de dibujo y guías introductorias sobre todo tipo de materiales como esmaltes cerámicos, lápices, pinturas y tintas, entre otros.
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L'année du centenaire de la mort de Lluís Domènech i Montaner, Triangle Books a réuni dans un seul livre les meilleurs spécialistes de Domènech en général et de ses bâtiments en particulier pour comprendre la personnalité aux multiples facettes et interpréter le travail d'un architecte clé dans l'histoire de l'art européen. L'ouvrage débute par quelques articles introductifs qui présentent l'architecte dans le contexte de l'Art Nouveau européen et expliquent ses différentes facettes: civique, politique, académique... et se poursuit par les monographies de ses bâtiments, de la maison d'édition Montaner i Simon (1979- 1881 ) à la Casa Fuster (1908- 1911) en passant, bien sûr, par le Palau de la Música ou l'Hôpital de Sant Pau, tous les deux classés au patrimoine mondial.
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Proyecto para un monumento a José Luis Cuerda. Historias de la ruraleza reúne una serie de textos e imágenes impresas de la exposición de José Luis Serzo, cuyo eje central es la obra escultórica creada por el artista en homenaje al cineasta albaceteño José Luis Cuerda.Nos encontramos ante un catálogo que habla del proceso de creación, del propio monumento, del cineasta y de su universo: la ruraleza. Un término que nos evoca toda una mezcolanza de conceptos como rareza, rural, natural y extrañeza.José Luis Serzo (Albacete, 1977) es un artista multidisciplinar destacado por sus exposiciones-relato. “Post Show”, “El fantástico vuelo del hombre cometa”, “Thewelcome”, “Los sueños de I Ming” o “Los Señores del Bosque” son algunas de sus series, en las que a través de pintura, dibujo, fotografía, objetos, instalación, vídeo y la literatura como hilo conductor, cuenta historias un tanto oníricas y con una trascendencia optimista.
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En l'any del centenari de la mort de Lluís Domènech i Montaner, Triangle Books ha reunit en un sol llibre els millors especialistes sobre Domènech en general i sobre els seus edificis en particular per entendre la polifacètica personalitat i interpretar l'obra d'un arquitecte cabdal en la història de l'art europeu. El llibre comença amb uns articles introductoris que presenten l'arquitecte en el context de l'Art Nouveau europeu i expliquen les seves diferents facetes: cívica, política, acadèmica... i continua amb les monografies dels seus edificis, des de l'Editorial Montaner i Simon (1979-1881) fins a la Casa Fuster (1908-1911) passant, és clar, pel Palau de la Música o l'Hospital de Sant Pau, tots dos Patrimoni Mundial.
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A volume examining queer lives caught between empowerment and stigmatization in early twentieth-century Germany.The contributions in this volume present the story of queer lives in Germany during the first half of the twentieth century—from the first emancipation movements around the turn of the century via attempts at self-empowerment in the Weimar Republic to the destruction of queer subcultures under the National Socialist regime and the continued discrimination against LGBTIQ* persons in the postwar period. Since the late nineteenth century, increasing numbers of people have self-assuredly championed the recognition of queer lifestyles. These pioneers formed collectives, made their voices heard, and questioned dominant gender categories politically, scientifically, and artistically. Through essays, interviews, and artworks, the authors and artists illustrate this struggle for recognition which was forcefully prevented and destroyed following the seizure of power by the National Socialists and almost forgotten after 1945.
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Cada título de esta serie está dedicado a una técnica (acuarela, óleo, acrílica, pastel, etc.), tal y como reza el enunciado de la colección. Se trata de un conjunto de libros en cada uno de los cuales se explican de forma detallada y exhaustiva todos los aspectos que necesita saber para conseguir conocer a fondo la técnica en cuestión y poder así pintar con ella con soltura y dominio. Los volúmenes están estructurados de forma enciclopédica, a base de capítulos monográficos que contienen pequeños apartados. Todas las explicaciones se acompañan de la ilustración correspondiente al objeto de que ningún tema quede sin comprensión. Los volúmenes se cierran con un índice detallado para facilitar la consulta, la utilidad y el manejo de cada tomo, que viene a ser un vademécum con todo el acopio de conocimientos sobre la técnica en él tratada.
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Con estos cuadernos vamos a poder realizar unos estupendos ejercicios siguiendo los mismos pasos que un artista profesional. Para ello sólo hay que prestar atención a las explicaciones y observar detenidamente las imágenes que configuran cada paso a paso. Al comienzo de cada ejercicio se indica el material y los colores que precisaremos, y a lo largo de ellos, las mezclas o los pinceles adecuados. Para facilitar la labor inicial, se incluyen plantillas con el dibujo base hecho que se podrá calcar cómodamente teniendo así ese paso solucionado de antemano. También incluimos algunos consejos para enmarcar su cuadro, teniendo en cuenta el equilibrio de color, la forma del dibujo, la composición y todos aquellos factores que se plantean al escoger un marco adecuado. En estos cuadernos hemos puesto nuestro empeño en conseguir que cualquier persona, además de aprender la técnica, logre un resultado atractivo y digno.
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Pinturas negras de Goya analiza una de las obras más herméticas del artista y, a la vez, de mayor efecto visual y emocional. Pintadas entre 1819 y 1823 en las paredes de la Quinta sobre el Manzanares que poseía el pintor, constituyen un verdadero paradigma de la modernidad, de «Capilla Sixtina» de la modernidad se dice en el libro, y constituyen un verdadero resumen de la obra del artista aragonés. Realizadas entre 1819 y 1823 sobre los muros de dos salas de la Quinta llamada del Sordo, las Pinturas negras proporcionan una imagen del mundo sombrío y del mundo luminoso que siempre ha sido característico de Francisco Goya. Más allá del interés histórico y de la preocupación académica, sin ignorarlos, se contemplan como obras vivas, imágenes vivas en las que, a pesar de su carácter enigmático (quizá también por él), nos reconocemos.
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Aquest és un llibre que recull les fotografies dels més de 200 plats dissenyats per personalitats de la vida sociocultural catalana que participen en el projecte artístic col·lectiu ‘Vaixella imaginària’, impulsada per l’associació Food Cultura Museum. Alguns dels que plasmen les seves idees als plats són Ferran Adrià, Isabel Coixet, La Fura dels Baus, Pasqual Maragall, Javier Mariscal, Miralda, Quim Monzó, Jaume Plensa, Xavier Rubert de Ventós, America Sanchez, Matthew Tree, Jaume Vallcorba o Jorge Wagensberg. La publicació inclou les fotografies de 208 plats i la corresponent fitxa tècnica.
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Sólo unos cuantos devotos de la forma se han acercado a las radicales contribuciones que Rembrandt Harmenszoon van Rijn aportó al arte del autorretrato. Desafió las convenciones consagradas por sus predecesores y transformó este formato en un medio capaz de comunicar profundidad emocional, en lugar de plasmar simplemente el aspecto físico en un ambiente lujoso. Con más de 80 obras que abarcan pinturas, grabados y dibujos, los autorretratos que el holandés realizó a lo largo de su vida son un medio para fijar lo efímero. A lo largo de cuatro décadas, una constante llama la atención en todas las técnicas y estilos: el empeño de Rembrandt por presentarse desde múltiples perspectivas, de celebrar la multiplicidad del individuo y de apostar por un retrato natural y sin filtros de la expresión emocional.Además de las preocupaciones temáticas presentes en el conjunto de autorretratos de Rembrandt, las creaciones también son un ejemplo de innovación técnica y experimentación. En toda su obra encontramos una humanidad inequívoca, cada pincelada expresiva y cada detalle confuso se traducen en una caracterización resuelta y honesta de sí mismo, de todas sus debilidades, sentimientos encontrados y etapas de la vida.Esta monografía presenta todos los autorretratos de Rembrandt. Desde sus primeros experimentos cuando tenía 22 años hasta su último autorretrato pintado un año antes de su muerte, esta colección monumental es testimonio de una vida dedicada a revolucionar la práctica pictórica en forma y contenido.
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As one of the most recognizable brands in the world, Marvel has spent the last 80-plus years inspiring generations of creatives through its approach to visual storytelling. Marvel’s comic books, in particular, established a distinct graphic language that has found its way into mainstream culture, including 1960s Pop Art, and present-day digital culture, gaming, advertising, and more. Marvel By Design will celebrate the company’s visual language with an in-depth exploration of the design process behind the brand’s most recognizable graphical elements including logos, covers, lettering, layout, and color palettes. Readers will learn how the renowned Marvel Method established a unique approach to the creative process and how that process can serve as a template for creatives working beyond comics. Throughout the book, Marvel by Design will connect the dots between comic culture and its undeniable influence in every creative field including the evolution of graphic design, editorial design, movies, and visual culture at large. Highlights include:- An expansive, five-part visual encyclopedia, highlighting examples of Marvel’s exceptional approach to logos, layout, lettering, cover design, and color palettes. This section will feature insights from some of Marvel’s most renowned contributors including artist Klaus Janson and letterer Todd Klein, among others.- Essays from famous graphic designers including Mike Essl and Paul Sahre, as well as from well-known Marvel contributors including letterer Chris Eliopolous and designer/editor Carl Potts. An oral history of the making of House of X, featuring Jonathan Hickman, editor Jordan D. White, and designer Tom Muller.- Case-studies that trace the visual evolution of ten iconic characters.- Hundreds of images from Marvel’s past and present.
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Este libro pretende reflejar los conceptos y pasos que ha ido dando el grabado tradicional desde el compendio de sistemas y técnicas de socavar físicamente e imprimir con presión, hasta convertirse en lo que llamamos hoy matrices intangibles. Es decir, incidir y dibujar con luz. Pretende ser una modesta y divulgativa aportación a un fenómeno curioso e interesante del cambio paradigmático que ha ocurrido y está sucediendo con este arte cuyas matrices físicas han dado lugar a las algorítmicas, reflejadas en una pantalla electrónica y las tintas grasas en sofisticadas emulsiones inyectadas o termofundidas. Pero no nos gustaría dar la impresión, de que nuestro interés es sólo la parte técnica, la sofisticación mecánica y los pormenores de la ya famosa “cocina de grabado”. Una de nuestras propuestas sería más bien relativa a lo innecesario del recetario de la forma en la que ha sido realizada, sugerimos cordialmente la adopción de imagen múltiple por matriz electrónica IMME. Pensamos que la huella gráfica-electrónica, posee un entramado intelectual relacionado con ideas que han dado un nuevo enfoque al sentido de múltiple u original. Aporta reflexiones sobre los fenómenos del entorno social en el que estamos inmersos y contribuye al entendimiento del contexto en el que se mueve la socialización del Arte subvertido en una mayor interactividad. Se hace un breve resumen razonado al devenir del Arte de la Gráfica desde sus procesos más escultóricos hasta llegar a las matrices intangibles. La sustitución del graphos manual por el electrónicoluminoso del láser y fotopolímeros y el papel del pensamiento de las obras múltiples actuales. La documentación sin cuerpo, sin la física del soporte material es un cambio de paradigma curioso en la historia del ser humano que la revolución de las nuevas tecnologías aporta al modo en que entendemos actualmente nuestra vida moderna.
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Jordi Benito (Granollers, 1951 – Barcelona, 2008) morí pràcticament com un pòtol dandi, damunt la taula, preparant nous projectes, a finals del que fou el sistema artístic en l’estat del benestar, sota els símptomes d’una gran crisi. Arrenglerats en lleixes i caixes, el que fou celebrat com un dels artistes més radicals de l’art d’acció i artista de l’art total en instal·lacions efímeres havia deixat en carpetes les notes a mà i la documentació de més de cent cinquanta projectes: idees com a imatges i documents com a obres d’art. S’hi reconeix una metodologia de treball acurada i posseïda per una no-distinció entre la vida i l’art, i, per tant, amb períodes de dificultats i oscil·lacions. Aquest llegat rellevant, de més de 1.500 documents i més de 3.000 fotografies, va ser donat per la família al Museu de Granollers, el qual l’ha conservat, ordenat i catalogat a fi de posar-lo a l’abast dels estudiosos. La vàlua extraordinària del Fons Benito ve significada, també, per l’aparició d’obres inèdites, entre les quals la sèrie Militar Art, i per haver pogut recompondre els deu volums del Brutal Barcelona Performance. Aquest primer volum, a cura de Vicenç Altaió i Museu de Granollers, ha estat plantejat tot fixant la cronologia dels documents i complementant-los amb les obres majors del fons del Museu, des de les primeres instal·lacions i accions dels setanta, les performances al Pompidou i la Miró, fins arribar als Assaigs per a l’Òpera Europa. El llibre reconstrueix, amb dades i literatura estètica, la biografia i la llegenda artística de Benito. 'Jordi Benito. Idees com a imatges/Documents com a obres d’art' és també un relat il·lustrat de l’època, dels artistes conceptuals, del paper dels espais alternatius i de les transgressions als primers espais museogràfics catalans i internacionals, així com de les idees polítiques i estètiques de un dels artistes més radicals de la història de l’art.
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Jordi Benito (Granollers, 1951 – Barcelona, 2008) morí pràcticament com un pòtol dandi, damunt la taula, preparant nous projectes, a finals del que fou el sistema artístic en l’estat del benestar, sota els símptomes d’una gran crisi. Presentem la segona part d’Idees com a imatges/Documents com a obres d’art, a cura de Vicenç Altaió i Museu de Granollers, ha estat plantejat tot fixant la cronologia dels documents i complementant-los amb les obres majors del fons del Museu, des de les primeres instal·lacions i accions dels setanta, les performances al Pompidou i la Miró, fins arribar als Assaigs per a l’Òpera Europa. El llibre reconstrueix, amb dades i literatura estètica, la biografia i la llegenda artística de Benito. Jordi Benito. Idees com a imatges/Documents com obres d’art és també un relat il·lustrat de l’època, dels artistes conceptuals, del paper dels espais alternatius i de les transgressions als primers espais museogràfics catalans i internacionals, així com de les idees polítiques i estètiques d’un dels artistes més radicals de la història de l’art.
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Las nuevas tecnologías están cambiando el arte, la manera de verlo y hacerlo. El proyecto Materia Impresa se enmarca, concretamente, en el territorio de las tecnologías de impresión y escaneado 3D, y explora su repercusión en los lenguajes del arte contemporáneo. La presente publicación recopila reflexiones y propuestas artísticas que se articulan alrededor de la necesidad de un retorno a la materia en un contexto mayoritariamente virtual, y constatan que las innovaciones en tecnologías de impresión 3D posibilitan una nueva irrupción de la presencia material en los proyectos artísticos.
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Lluís Terricabres i Molera, popularment conegut com a Terri, va ser un dels homes de cultura més polifacètics de la segona meitat del segle XX a Catalunya i un dels estendards de la vida cultural mataronina. L'artífex d'El Racó (per on van passar Brossa, Capmany, Sales, Tàpies, Guinovart, Foix, Riba i un llarg etcètera) va ser un pol d'atracció intel·lectual enorme més enllà de la seva destacada activitat com a artista i artesà. Aquest volum presenta el catàleg de l'exposició monogràfica que li ha dedicat el Museu de Mataró, El Mataró d'en Terri (1918-2000), comissariada per Manuel Guerrero, i recupera, en edició facsímil, la biografia El manyà encès, del periodista mataroní Manuel Cuyàs.
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Este documento, que permaneció inédito durante más de un cuarto de siglo debido a la expulsión de sus autores de la I.S. en diciembre del 67, da cuenta de los momentos sobresalientes de la crisis del arte moderno a la vez que expone los puntos centrales de la crítica situacionista en la materia. Su sabor «de época» y su óptica angloamericana confieren a su enfrentamiento con la «cultura pop» —mucho más discreta y elitista en la Francia de entonces— un estilo más concreto y «popular» que el de la crítica situacionista francesa. Especial mérito tiene su inmisericorde forma de desbaratar y desmontar la inflación de pseudonovedades, mamarrachadas en serie y estrategias artístico-policiales originadas en la década de los sesenta. Como contrapartida, no está exento de cierta abstracción lírica y optimismo precipitado en relación con fenómenos como el nuevo lumpen, la delincuencia juvenil o los motines de Mods, Rockers, Hell’s Angels y demás fauna urbana, que poco tardarían en convertirse no tanto en desafíos al orden existente como en formas especializadas de acomodarse a él. Además este libro, traducido por Federico Corriente, contiene los ensayos Guy Debord y el problema del maldito, de Asger Jorn, y Por qué el arte no puede acabar con la Internacional Situacionista de T. J. Clark y Donald Nicholson-Smith, a modo de inmejorables vacunas contra las enfermedades que inoculan artistillas y politiqueros de todos los pelajes.
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Prólogo de Ángel ParienteEn este Razonado desorden se seleccionan textos que permiten conocer de cerca las actuaciones públicas del grupo surrealista en su primera etapa (las andanzas del surrealismo en la actualidad pueden seguirse en otros dos volúmenes editados en esta misma casa editorial: Los días en rojo y ¿Qué hay de nuevo, viejo?). Ordenados cronológicamente —desde el Primer Manifiesto hasta el estallido de la Segunda Guerra Mundial— este libro reúne panfletos, soflamas, libelos, e intenta no olvidar ningún documento importante, con la única excepción de las diatribas internas, porque ésa es, naturalmente, otra historia. Sin duda los 49 documentos seleccionados dan noticia de la indignación moral de un grupo de personas ante dudosas honestidades o flagrantes delitos, y son una muestra de su activismo frente a una sociedad pretendidamente cambiante.Cada uno de estos documentos hace una llamada a la revuelta y, en algunos de ellos, la apariencia de sondeo sociológico esconde la provocación. Las frases que denuncian «cierto estado de furor» son textos que leídos hoy encarnan la prosa —soñada por Baudelaire— para representar «los sobresaltos de la conciencia».Como anexo informativo hay, al final del volumen, dos apartados: la cronología «El surrealismo y su tiempo» y una sucinta bio-bibliografía de los principales firmantes de los documentos. Quizás sirvan como punto de partida a quienes quieran profundizar en el estudio del más apasionante cambio de rumbo de la literatura del siglo XX.Edición, prólogo, traducción y notas de Ángel Pariente.
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Textos y declaraciones colectivas del Grupo Surrealista de Madrid.Se cumplen casi veinte años del inicio de la actividad del Grupo Surrealista de Madrid como tal, y de su más significativa publicación, la revista Salamandra. Y sin conocer –ni mucho menos esperar– cuando llegará su final, reunimos aquí, dispuestos en orden cronológico, los escritos redactados de forma colectiva con la intención de cortarle el paso a los acontecimientos y aportar su particular punto de vista con respecto a la omnipresente cuestión social.El lenguaje, la creación, el intercambio, el trabajo, el deporte, la relación con la naturaleza y lo salvaje, la psicogeografía, el juego, el encuentro de distintas cosmovisiones, etc., son «perfectas coartadas» para activar una crítica implacable al modelo actual de civilización, al que en todos sus aspectos se trata de hostigar, a la vez que se arroja nueva luz sobre las viejas formas de acción que se tornan dañinas a la tarea de hacer avanzar la crítica al Viejo Mundo.Para llevar a buen puerto estos fines, el Grupo Surrealista de Madrid hace uso de la percepción, la experimentación, el juego, la deriva y, en definitiva, de la experiencia de lo maravilloso. Todo esto se concreta en el plano práctico en un proyecto político de vida poética, o lo que es lo mismo, en una «actividad colectiva empeñada en realizar los sueños». Tal proyecto y tal actividad hacen del pensamiento de sensibilidad surrealista (lo que algunos definieron cómo «el padre al que querríamos ver muerto») un sujeto enteramente vivo, que camina en dirección opuesta a las modernas ideologías «radicales» televisadas que ahora se nos ofrecen como manuales de supervivencia.Sin entrar –de momento– en la discusión de si el surrealismo es el padre al que odiamos o al que amamos, y al margen del etiquetaje dispuesto para el consumo, proponemos dejar los prejuicios a un lado y embadurnarnos en la harina que mancha este libro, para llegar a constatar en qué medida la carga subversiva del surrealismo esta aún muy lejos de ser desactivada.
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La gran aventura intelectual del surrealismo agrupó, en los primeros años del siglo xx y a la sombra no siempre protectora del movimiento Dadá, a un reducido grupo literario que acabaría pronto con los gestos y actitudes de la vanguardia rezagada. Contaminó e hizo suyas pintura, escultura, cine y solo la música parece haber estado fuera de su influencia. Intervino en política con la contundencia de una izquierda sin ataduras, ajena al escalafón y al consenso, uniendo a Marx y a Rimbaud en una frase que ha hecho fortuna: «Objetivo triple e indivisible: transformar el mundo, cambiar la vida, rehacer de arriba a abajo el pensamiento humano». A despecho de ellos mismos que siempre se consideraron al margen del orden establecido, fue la literatura su campo de acción y en muchas ocasiones su campo de batalla. André Breton, Paul Éluard, Benjamín Péret, René Crevel, Antonin Artaud, Louis Aragon y Tristan Tzara forman parte de la literatura francesa del siglo xx. Saber lo que se quiere era una forma de ser del surrealismo y nunca se encontraron a gusto en el escalafón de los manuales: «Desaparecer es triunfar» (Éluard, 1921), «Cuando no se tiene genio el consuelo es tener éxito» (Leiris, 1929), «Es precisa la perseverancia para llegar al fracaso» (Chavée, 1958). Repertorio de ideas del Surrealismo (1919-1970), reúne textos publicados en libros y revistas, muchos de ellos de difícil acceso para el lector actual. Recoge una parte importante de la agitada historia del Surrealismo y de la actitud de los surrealistas sobre los problemas de su tiempo. Su contenido, a pesar de diferentes autores y de un largo periodo de más de cincuenta años, tiene un carácter, un tono que lo recorre y lo identifica.
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Análisis del trabajo realizado en las dos últimas décadas en la que el artista ha puesto la pintura en el centro, con especial importancia a la constante retroalimentación que existe entre esta y la fotografía, el collage y el dibujo. En estos años su modo de pintar sigue siendo el mismo: Luis Gordillo siempre está en la pintura, pero no siempre está pintando. La experimentación, palabra clave de su quehacer artístico, es constante. Y esta publicación muestra las tensiones y las energías que desprende el trabajo del artista desde dentro, con una doble perspectiva: por un lado, una visión de los temas recurrentes en sus cuadros y, por otra, una observación detenida de las exploraciones y las derivas de su proceso creativo. Dentro de esta última, la publicación incluye una selección de veinte antipoemas escritos por Gordillo en los últimos años. Se incluye un texto de Chus Martínez. La exposición a la que este libro responde se inaugura en septiembre en la Sala Alcalá 31 de Madrid, celebrando una capacidad creativa única, la de un artista que a sus ochenta y nueve años sigue en activo y con una clara influencia en nuevas generaciones.
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Incursión de Michel Foucault, uno de los grandes pensadores del siglo xx, en la crítica de arte, sin dejar de lado la reflexión filosófica que le es propia. A partir de la obra de Manet, Foucault analiza un cambio radical en las formas de representación. «La superficie rectangular, los grandes ejes verticales y horizontales, la iluminación real del lienzo, la posibilidad de que el espectador pudiera contemplarlo desde una óptica u otra, todo ello está presente en los cuadros de Manet, se recupera, se restituye con los cuadros de Manet. Y Manet reinventa (¿o acaso inventa?) el cuadro-objeto, el cuadro como materialidad, el cuadro como objeto pintado que refleja una luz exterior, y frente al cual o en torno al cual se mueve el espectador. Tal invención del cuadro-objeto, tal reinserción de la materialidad del lienzo en aquello que en él se representa es, en mi opinión, la esencia del importante cambio que Manet aportó a la pintura, y en este sentido puede decirse que Manet alteró –más allá de preparar el terreno para el impresionismo– los valores fundamentales de la pintura occidental desde el quattrocento.» michel foucault
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