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Libros de Teatro, Poesía y Relatos
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Ventura Ametller és un escriptor polièdric d'un interès i d'una qualitat indiscutibles, editat fins ara d'una manera massa fragmentària i minoritària. Per aquest motiu ara teniu a les mans l'acurada edició de la seva Poesia completa, que parteix de la recopilació que ell mateix va deixar enllestida. Endinsar-nos en aquestes pàgines és amarar-nos d'un viure commogut i apassionat, enfervorit, però mai exempt del batec punyent de la gran literatura, d'una exigent intel·ligència creativa. Aquesta Poesia completa, travessada per un potent esperit de postavanguarda i de transgressió, és un convit a descobrir aquesta veu alquímica que s'agermana amb la d'altres diables com Josep Pla, Salvador Espriu, Joan Vinyoli, Joan Perucho, Josep Palau i Fabre, Andreu Vidal, Josep Palàcios o Màrius Sampere. Del pròleg de Carles Duarte i Jaume C. Pons Alorda La poesia d'Ametller és una obra exuberant en la qual gairebé tots els temes tenen cabuda. Maximalista i plena de matisos, a vegades fa l'efecte que sigui escrita a raig, amb passió, però una lectura atenta ens mostra que realment és una obra ben pensada, quasi al mil·límetre. Si tenim en compte que és una poesia que abasta tota una vida, s'hi veuen reflectits la totalitat dels sentiments i emocions inherents a tot individu. Ametller és capaç d'explicar de manera despullada la duresa amb què a vegades ens colpeja la vida, ja no pas per alliberar-se del dolor que li comporta, sinó per fer-lo evident en la seva intimitat escrita. De l'epíleg de Marta Puigventós Pons Ventura Ametller (Pals, 1933, Mataró, 2008), veterinari de professió, va ser un escriptor singular i extemporani, quasi furtiu. Bonaventura Clavaguera i Clavaguera, batejat per Salvador Espriu amb el nom de ploma de Ventura Ametller, va escriure tota la seva vida de manera discreta, metòdica i rigorosa. De la seva obra s'ha publicat l'assaig ''Teoria general de l'universalisme'' (1979), prologat pel seu amic Josep Pla, els llibres de poemes ''El primer quadern de Bel Dezir'' (Premi de Poesia Marià Manent, 1981), ''Paradigmes esotèrics'' (1991) i ''Antologia d'emergència'' (2016), i les novel·les ''Summa kaòtica'' (1986) i ''Resta kaòtica'' (2008). Intel·lectual de primer ordre, enamorat de l'art i la música, inquiet i àvid de coneixement, la seva vida va transcórrer treballant en un escorxador, aliena als cercles literaris del moment. Un outsider de difícil classificació, encara avui.
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Vint cançons (1922) deTomàs Garcés (Barcelona, 1901-1993), editades per la Llibreria Nacional Catalana regentada pel seu gran amic Salvat-Papasseit, és un llibre únic, inspirat, que manté intacta la seva capacitat d’irradiació. Encara ara ens sorprèn la seva vigència, la capacitat de desvetllar emocions significatives i d’adollar-nos un ric cabal de ritmes i d’imatges. Ras i curt, aquelles Vint cançons ens han arribat intactes i amb tota la seva frescor primigènia. Sorprèn també el seu grau de maduresa: poques vegades un primer llibre ha assolit amb tanta naturalitat, amb una facilitat tan elegant, la seva més justa expressió, una vitalitat i alhora una contenció tan sàviament equilibrades.Cap altre poeta no havia captivat tant els compositors del seu temps com ho va fer Garcés, que, en qüestió de pocs anys, va veure com molts dels seus poemes —els de les Vint cançons i L’ombra del lledoner, però no només— eren transformats en lieds per part de compositors com ara Lluís Albert, Lluís Benejam, Manuel Blancafort, Narcís Bonet, Agustí Coma i Alabert, Joan Comellas, Xavier Gols, Rossend Llates, Joan Llongueres, Joan Manén, Joan Massià, Lluís M. Millet, Frederic Mompou, Xavier Montsalvatge, Jaume Pahissa, Josep M. Pladevall, Francesc Pujol, Joaquim Serra, Eduard Toldrà, Manuel Valls, Amadeu Vives o Joaquim Zamacois. De tots ells, Blancafort i Toldrà van ser els més reincidents: de fet, es pot ben dir que Garcés va ser el seu poeta de capçalera.
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Estrenamos nueva colección editorial con un autor de la casa, Víctor R. Alfaro. Su clarividente forma de expresión pedagógica nos invita al reconocimiento de la belleza sobrevolando el amor, la amistad, el bienestar, la permanencia, la pérdida, la patología, la muerte...Sin carecer de un transfondo crítico y cítrico, que nos perfuma y hace salivar como niños hambrientos cuanso se les presenta un paetecible manjar que nuncasaben con certeza si conseguirán. Víctor nos demuestra una vez más el poder de la palabara bien cincelada, musializada y argumentada como potente arma de construcción masiva. Siempre en su continuo e infatigable intento de comunicar que otra realidad es posible si la adereezamos con poesía. La nueva colección de poesía de bolsillo pretende llevar los versos a todas partes, tan lejos como tus pases lleguen. Pero siempre con poesía.
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En estos poemas del Bukowski más maduro, se aprecian momentos de quietud insólita, instantes de contemplación abismada que transforman lo trivial en mágico. Pero si hay algo que destaca es la tenacidad incesante, el tesón de un autor que no ve otra manera de seguir adelante que abordar el siguiente verso como si fuera el primero, el más importante, el definitivo. Lo que queda a la postre es un poeta en su plenitud, poseedor de una sabiduría que lo lleva a la compasión. No faltan aquí las provocaciones y los exabruptos que lo llevan a reconocer que no sabría qué hacer si le arrebataran la locura de la que se nutre, o a achacar su éxito perenne en Europa a «traductores geniales de la hostia». Pero también hay en estas páginas magníficos retratos de los inadaptados de su entorno, desde el padre maltratador hasta las mujeres que le partieron el alma, pasando por los profesores que tan poco le enseñaron, los imitadores, los fanáticos faltos de imaginación, los «muertos en vida»
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El 27. La generación del 27. Los poetas del 27. Cualquier lector sabe de qué poetas estamos hablando: Guillén, Lorca, Dámaso, Aleixandre... Pero ¿no hay algo artificioso en que entre la nómina de poetas que vivieron las mismas circunstancias históricas no se contemple ninguna de las poetas que entretanto se han ganado el reconocimiento como las Sinsombrero? Presentamos, en un solo libro, un nuevo 27 que, enriquecido por las savias antes despreciadas de las Sinsombrero, y articulado en torno a los tres grandes poetas de la época (Lorca, Aleixandre, Cernuda), incluye a un predecesor tan admirado como Juan Ramón Jiménez y a su discípulo más talentoso, Miguel Hernández. Un 27 vibrante, entusiasta, seductor, desafiante y vital. Un 27 como nunca se había leído antes.
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Marcos Díez (Santander, 1976) ha publicado los libros de poemas Puntos de apoyo (2010), Combustión (Premio de Poesía Hermanos Argensola, 2014), Desguace (Premio Ciudad de Burgos, 2018) y Belleza sin nosotros (Premio de Poesía Generación del 27, 2022). Este volumen reúne los títulos anteriores, así como una selección de sus primeros poemas, e incluye también un libro inédito, Besar la tierra, escrito entre 2022 y 2024. «Al leer los poemas de Marcos Díez uno tiene la impresión de que están escritos fundamentalmente con el corazón en la mano, desde una honradez sencilla con la que sentimos una rara comunión que podría acercarse mucho a eso que llamamos la verdad humana. Si desencantan es porque renuncian a malabarismos lingüísticos y a poses de hechicero, si desintoxican no es sino porque limpian la mente tanto de ironías como de sentimentalismo, y la llenan de palabras que alimentan, palabras que se agarran a lo que significan. La poesía de Marcos Díez indaga en las heridas y los gozos de la existencia a través de una voz cercana, sobria y meditativa, que se detiene a observar los gestos cotidianos, las experiencias y los vínculos personales más íntimos no para sublimar ni desaprobar, sino para intentar hallar, en un esfuerzo sincero, el sentido desde su propio claroscuro. Una voz singular, de múltiples aristas, orgánica y coherente, que cree en el poder del lenguaje para transmitir belleza, emoción y verdad». «Al leer los poemas de Marcos DÃez uno tiene la impresión de que están escritos fundamentalmente con el corazón en la mano, desde una honradez sencilla con la que sentimos una rara comunión que podrÃa acercarse mucho a eso que llamamos la verdad humana. Si desencantan es porque renuncian a malabarismos lingüÃsticos y a poses de hechicero, si desintoxican no es sino porque limpian la mente tanto de ironÃas como de sentimentalismo, y la llenan de palabras que alimentan, palabras que se agarran a lo que significan. La poesÃa de Marcos DÃez indaga en las heridas y los gozos de la existencia a través de una voz cercana, sobria y meditativa, que se detiene a observar los gestos cotidianos, las experiencias y los vÃnculos personales más Ãntimos no para sublimar ni desaprobar, sino para intentar hallar, en un esfuerzo sincero, el sentido desde su propio claroscuro. Una voz singular, de múltiples aristas, orgánica y coherente, que cree en el poder del lenguaje para transmitir belleza, emoción y verdad».
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este libro no tiene ningún valor por sí mismo / más allá de galardones o editoriales o frivolidades estéticas este libro sigue estando esencialmente vacío / acaso no me cree? adéntrese en sus páginas y déjese convencer de la insignificancia de cualquier texto compuesto por el ser humano / de que toda certidumbre intelectual es un engaño retórico / sea usted quien fecunde con su lectura el abismo fértil de este hambriento producto / por favor haga mi trabajo y convierta en significados específicos lo que yo dejo en sus manos en forma de potencia (el autor) Javier Adrada De La Torre (Madrid, 1996) es doctor internacional en Traducción e Interpretación Astrológica por la Universidad de Salamanca. Actualmente trabaja como docente e investigador sobre traducción y arte multimodal en la Universidad Rey Juan Carlos. También ha sido profesor visitante en la University of Massachusetts-Amherst y el Colegio de México. Javier es autor del ensayo Luis Cernuda y Friedrich Hölderlin: traducción, poesía y representación (Comares, 2021, con prólogo de antonio colinas) y tiene dos novelas publicadas: La aurora de los girasoles (I Premio de Novela MRA ediciones, 2014) y Espejismo de un dios (Diversidad literaria, 2017) y un poemario en prensa: Gasolineras (XXII Premio Martín García Ramos, Difácil, 2024). Asimismo ha publicado poesía y ensayo en revistas artísticas como Zéjel, Casapaís, El coloquio de los perros, Alborismos y en antologías derivadas de concursos literarios.
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Georg Heym (1887-1912) forma parte de la llamada primera etapa del Expresionismo alemán (1910-1914). A pesar de su muerte prematura con solo veinticuatro años, Heym ocupa un lugar destacado entre los grandes nombres de la literatura expresionista como Gottfried Benn, Georg Trakl o Else Lasker-Schüler. Umbra vitae, publicado de manera póstuma el mismo año de su muerte, es la obra que lo consagra. Los poemas de este libro, más maduro y osado que El día eterno (1911), recogen una atmósfera de amenaza y peligro que se agazapa en la sombra, envolviendo al poeta y revelándole como en sueños, proféticamente, los tormentos de la guerra, el sufrimiento y la aniquilación del ser humano, y su propio final. Umbra vitae no tardó en despertar el interés del artista Ernst Ludwig Kirchner, quien realizó una serie de grabados en madera para la reedición del libro en 1924. El resultado no solo funde texto e imagen, sino que nos narra dos historias: la de dos hombres que han sufrido, dos hermanos espirituales que transmiten el presentimiento o la experiencia de la muerte. La conjunción de imagen y texto hace de Umbra vitae una obra de culto para poetas y artistas.
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Estos cuentos nacen de una mirada hacia el mundo rural exenta de cualquier romanticismo e idealización, como sí percibo en bastantes de quienes han decidido hoy dejar la ciudad para refugiarse en los pueblos, una arcadia que debe más a la imaginación de la literatura que a la realidad. No se trata tanto de regresar al campo para reproducir el modo de vida de las ciudades como de, resalvajizar el mundo rural.
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THE BEST OF THE BEST OF BUKOWSKIThe Pleasures of the Damned is a selection of the best poetry from America's most iconic and imitated poet, Charles Bukowski. Celebrating the full range of the poet's extraordinary sensibility and his uncompromising linguistic brilliance, these poems cover a lifetime of experience, from his renegade early work to never-before-collected poems penned during the final days before his death.The Pleasures of the Damned is an astonishing poetic treasure trove, essential reading for both long-time fans and those just discovering this unique and important American voice.
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Las locas piedras de Alejandra se concibe, como una conversación íntima-poética entre su autor y el poemario Extracción de la piedra de locura, de la gran poeta argentina Alejandra Pizarnik. Su voz habla a través de los exergos (citas que encabezan libros o textos escritos) que acompañan los poemas, incitando, provocando la respuesta del autor en temas tales como la angustia existencial, la vulnerabilidad de lo humano y sus historias saturadas de contradicciones. Las locas piedras de Alejandra ha obtenido el Premio Provincia de Guadalajara de Poesía, José Antonio Ochaíta, 2023, de la Diputación Provincial de Guadalajara. De este poemario, Manuel Francisco Reina, miembro del jurado, ha dicho:, es un libro redondo, arriesgado y, a la vez, emocionante, en un equilibrio difícil entre oficio y temblor poético. Propuesta original, valiente y conseguida, nos trae una tradición de la poesía hispanoamericana poco puesta en valor en España, el creacionismo de Vicente Huidobro, con ese juego de palabras, la no puntuación, como trasunto de la propia genialidad, y también locura de la poeta interpelada, Alejandra Pizarnik, que es igualmente una interlocución a la locura
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Un Dios Padre senil y cansado, aturdido por las voces aduladoras de los ángeles, un Jesús indolente, derrotado y en decadencia, y una María obsesionada por el sexo y cansada de ser virgen, decidirán pedir los servicios del Diablo para desatar una plaga que castigue a los hombres por sus excesos. Escrita por Oscar Panizza en 1894 y ambientada en la corte papal de los Borgia, esta obra —en la que en su día un tribunal encontró noventa y tres blasfemias manifiestas— está marcada por una poesía desbordante, negra y despiadada gracias a la cual el Diablo, creador por encargo del Sumo Hacedor de la sífilis, se convierte en el más grande exponente de la dignidad humana. La presente edición, traducida del alemán por Luis Andrés Bredlow, lleva un prólogo de André Breton y un epílogo de Julio Monteverde en el que se hace un recorrido por la asombrosa persecución que desde su primera edición hasta nuestros días ha sufrido este texto.
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Jorge Eduardo Eielson (Lima 1924-Milán 2006), poeta y artista plástico, ha suscitado una verdadera devoción en sus innumerables lectores y desde hace muchos años se ha creado una escuela de admiradores y discÃpulos dentro y fuera de su paÃs natal. El presente libro recoge sus tres últimos poemarios escritos entre 1990 y 2004, en los que se evidencia la poética de sus años en Milán. Dejando de lado el anterior lenguaje experimental y lúdico, aquà propone una poesÃa más directa y celebrativa que da preponderancia a los temas de la amistad y el amor. Desarrolla asimismo esa mÃstica personal donde su raÃz cristiana se asocia al budismo zen, acompañada por la exaltación del arte, la memoria de su patria —sobre todo el Perú prehispánico, especialmente homenajeado en sus nudos/quipus—, el humorismo y una profunda humildad que lo lleva a verse y a retratarse como un «payaso», en realidad un puer aeternus, que en efecto no ha dejado de ser niño y regala su corazón a los demás.
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Un calor que no da tregua. Una noche cuya oscuridad se alarga. La adolescencia y su rebeldía y las primeras experiencias. «No había mucho más que hacer ese verano», leemos. A partir de ahí, una enorme historia que se abre a tantas posibilidades como lecturas: crisis y memoria de una dictadura, incógnitas e inquietudes, desencanto y búsqueda. Personajes que se ahogan y dudan. Asesinos en serie, lo siniestro y la enfermedad. Música y consecuencias. Eso es lo que Mariana Enriquez, cuya capacidad para distorsionar la realidad no deja de acumular y sorprender a muchísimos lectores, nos entrega en este libro ilustrado por Helia Toledo, con un espectacular debut editorial que no solo dialoga con el texto, sino que lo lleva a más formas de mirarlo y de leerlo.
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Un home volant fins al cel en un escarabat merder gegant per visitar els déus i portar la pau al món, una secta tronada d'intel·lectuals comandats per Sòcrates que passen massa temps als núvols, o uns homes que se'n van a viure una vida de reietó amb els ocells i acaben instaurant-hi un règim aupressor. Deia Pompeu Gener que Aristòfanes, el gran poeta còmic de l'antiguitat, era «un tipo únic del seu art», amb un «esperit únic que no s'ha vist mai més en la Història». I si bé és cert que «el món no ha vist, i potser no veurà mai més, un tal espectacle: l'orgia dirigida pel geni», aquest autor genial, capaç de l'escatologia més descontrolada, de la fantasia abans del gènere fantàstic i dels jocs de paraules més surrealistes, ha hagut de passar pel purgatori de les traduccions, per les diferents censures que l'han intentat fer més passable per a la moral de l'època, sense fer justícia ni al seu verb descarnat ni a la seva fastuositat. S'oblida així que Aristòfanes va ser un poeta còmic. Presentem aquí la primera traducció catalana en vers de tres de les seves comèdies més líriques, més alades: ''La pau'', ''Núvols'' i ''Els ocells''. Unes traduccions que miren de conciliar els dos caràcters indissociables de l'autor: l'humor i la poesia. Aristòfanes (Atenes, 446-386 aC) és el poeta còmic més brillant de l'antiguitat i un dels més hilarants de tota la literatura universal. Com Èsquil, Sòfocles i Eurípides per a la tragèdia, era, ja per als grecs, el gran clàssic de la comèdia antiga. Gràcies a Zeus, n'hem conservat onze peces de la quarantena llarga que sabem que va compondre. Li va tocar viure una de les èpoques més crítiques per a la democràcia atenesa: la guerra del Peloponès (431-404 aC), que va comportar la fi del domini d'Atenes sobre l'Egeu. Però va sobreviure a la guerra, i ens va llegar algunes de les comèdies més meravelloses que ha escrit mai cap dramaturg, com les d'aquest volum o ''Lisístrata'', ''Les granotes'' i ''Les dones a l'assemblea''. Com tots els genis, va dur als límits el gènere que conreava, fins a esgotar-lo. Darrere d'ell no es va tornar a escriure comèdia de la mateixa manera i el seu verb alat només l'han igualat monstres literaris de la talla de Shakespeare, Rabelais o Gadda.
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La luz no es de nadie es el octavo poemario de Luis Acebes (Madrid, 1966), uno de los grandes poetas de la actualidad. Por medio de escenas en las que se entremezclan mundos, Luis Acebes escribe para descubrirse, para llegar hasta lo más profundo de su interior. Con su fina ironía, nos ayuda a encajar mejor la realidad, nos consuela reconciliándonos con el tiempo, con nuestros recuerdos, con nuestros fracasos, nos hace (re)encontrarnos a nosotros mismos para que podamos enfrentarnos al hoy sin que nada interfiera. Y así consigue lo que todo poeta debe conseguir: nos ayuda a levantarnos, porque, si bien es verdad que el tiempo nos obliga a caer, cualquier caída siempre es un disfraz.
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Elegia d’Atenes és un llibre de poemes sobre els grans temes de la vida i de la cultura. És un llibre sobre l’anar i el tornar, els viatges d’una realitat quotidiana a una realitat mítica. És un llibre sobre el pas del temps, i sobre el seu impacte en la mirada de les persones. És un llibre sobre la vida, vitalista, no pas perquè s’hi visquin coses literalment extraordinàries, sinó perquè s’hi viuen amb intensitat. És un llibre amb Grècia, que és paisatge i és referència cultural, de teló de fons. Una Elegia d’Atenes que és de fet un viatge a la mateixa Grècia, d’anada i de tornada. I quan tornes, Atenes ja no és la mateixa. O potser ets tu, qui ja no és ben bé el mateix. (del pròleg de VICENÇ VILLATORO)
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Erre que erre no yerra la motosierra cuando duerme rodeada de cristal erre y no errando del duro y legendario cristal sin yerro de estas montañas que laten y no erran donde erre que erre se cristalizan la sierra y la mano que la aferra. No yerra la motosierra ni su hierro cuando rodeada de cristal erre y no erra cambia sus sueños secuenciados de metal erre que erre por sueños más veloces de cristal y entonces erre y no errando se acelera el backbeat mecánico de la sierra y su hierro y también sin yerro y tampoco errando se acelera el backbeat orgánico de la mano que la aferra sin hierro. Erre y no errando la motosierra y la mano que la aferra no yerran al atravesar cristalizadas erre que erre la noche de cristal de estas montañas erre que no erra duro y legendario el cristal que erre y sin hierro acelera el backbeat duro y caminando sin yerro que no erra de la mano y de la sierra que erre y no errando no duermen al ir de la mano del cristal erre que no erran muy despiertas no errando duras sin yerro y caminando.
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Un 28 de desembre va nàixer el meu fill, el primer. No ho sap la meua dona, però d’una manera que sols s’entén amb música, també vaig nàixer jo. Llavors aquell xiquet que un dia vaig desaprendre a ser, va tornar a jugar pel Barri del Roser, va passar amb la banda, va mirar-se l’estiu, el riu, la música i les paraules belles, les senzilles, amb els ulls de comprendre els miracles més grans. Tres anys més tard, va nàixer, com d’un somni bonic, Maria i aleshores, també d’una manera que sols pot explicar-se amb versos que s’entenguen, jo vaig nàixer una vegada més. Maria em dicta els versos a l’orella. Tan sols he de mirar-la pintar per a comprendre’ls i va pintar meduses un matí.
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Ángel Petisme (Calatayud, 1961) ha publicado, entre otros, Cosmética y terror (1984), Constelaciones al abrir la nevera (1996), Buenos días colesterol (2000), Demolición del Arco Iris (2008), Cinta transportadora (2009), Poemails. Nuestra venganza es ser felices (2011), La noche 351 (2011), El lujo de la tristeza (2014) y El dinero es un perro que no pide caricias (2016). Su obra poética se reúne en Teoría del color (2006) y su poesía cantada en Canciones. Del corazón a los labios (2012). El faro de Dakar alumbra un viaje emocional por el corazón del continente africano para descubrir la esencia pura de la humanidad.
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SERGIO GARCÍA ZAMORA (Esperanza, Cuba, 1986) es poeta, filólogo y editor. Tiene publicados más de una docena de poemarios, siendo el más reciente Perro que aúlla (2015). Ha recibido los premios de poesía La Gaceta de Cuba e Internacional Rubén Darío, entre otros. En fin, el autor de El frío de vivir resulta uno de esos “poetas que no [vacilan] en espolear la bestia” y que debemos seguir. García Zamora alcanza en El frío de vivir una indudable madurez expresiva y una manera particular de percibir el mundo. Se trata de un libro no solo bien escrito, con dominio tanto del poema en prosa como en verso, sino además y sobre todo de una escritura propia, única. Su autor sabe que, “[c]omo al alcornoque, hay que descortezar el poema, quitarle lo que tiene de corcho”. En sus páginas deslumbrantes los temas se entretejen, aparecen y desaparecen, como en el pensamiento, como en la vida misma. Y en definitiva, se manifiesta una conciencia crítica que crece desde las raíces de la infancia y no se olvida de ser autocrítica ni se limita a lo personal. Así se desafía toda ideología, idealista o materialista, de derecha o de izquierda. Y se enriquece la tradición de la poesía que niega el solipsismo y afirma la fabulación de la realidad, que es diálogo sin concesiones al populismo o al mercado, y que requiere de un lector participante. VÍCTOR RODRÍGUEZ NÚÑEZ
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Se reúnen por vez primera las versiones neoclásicas españolas de Romeo y Julieta, es decir, las adaptaciones o traducciones realizadas en España entre 1803 y 1817 y basadas en originales escritos para el teatro del siglo XVIII. La primera se estrenó en Madrid en 1803 con el título de Julia y Romeo y ha permanecido inédita. La segunda, titulada Romeo y Julieta, se estrenó y publicó en 1817. La tercera, de fecha desconocida, es el libreto inédito de Julieta y Romeo, ópera que no llegó a estrenarse. En ninguna consta el nombre del traductor y la atribución de su autoría ha dividido a los críticos. Este libro ofrece una aclaración al problema. Abre el volumen una amplia y completa introducción sobre los hechos y problemas en torno a ellas.
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Y en el aire, los adioses, primer libro de poemas de A. Alvaro Martín del Burgo, hace cuestión poética del mundo de ese ser que por esencia se encuentra siempre ya en despedida, el hombre. Se canta a la muerte para poder ser certero con la vida, para dejarla advenir y soportarla jubilosamente como ella es, o como la hacemos.Este cancionero, mediante un recorrido estético de alusión que va destilando a una vez emoción y significado, hace comparecer el hacerse del hombre y de su mundo ùespacio poliédrico de claroscuro, siempre reinventadoù. Así, el lector encontrará una insistencia poética por igual en el sentimiento de nostalgia, en el deseo y la pena, en el absurdo y la condición humana de haber de marcharse, en el contento de vivir o, en fin, en todo aquello cuanto nos atañe.
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En Ricard i l'Ester van estudiar junts a l'institut. L'Ester no ha oblidat mai el martiri que li van fer viure en Ricard i els seus amics, però sobretot en Ricard. Al cap dels anys l'Ester es converteix en mestra i descobreix, en una reunió de pares, que té a classe el fill d'en Ricard. Sembla que el fill retiri al pare: en Martí presenta problemes greus de conducta, falta al respecte als professors i ataca sense motiu aparent els seus companys de classe. Pot ser que la vida estigui donant a l'Ester una segona oportunitat per fer el que hauria hagut de fer fa molts anys enrere?...
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